Qouleur exposition d'ART Exhibit
Une exposition d'art contemporain avec des artist.e.s qui s'identifient comme racisé.e.s, bi-spirituel.le.s, queer ou trans, explorant ainsi l'importance individuelle, culturelle et politique des cheveux d'un point de vue queer et/ou racialisé. Les cheveux sont une partie importante de nos corps. Pouvant être interprété de différentes manières, ils représentent des identités individuelles et collectives. La façon dont on les entretient et les présente peuvent être interprétés comme une vitrine de soi. Leur importance peut être significative selon certains codes sociaux (les idées dominantes de la beauté, du genre, de classes sociales et de profilages raciaux). Cependant, d'un point de vue queer et racialisé, les cheveux peuvent être une réaction aux positions dominantes qui s'opèrent parfois en dehors de ces structures. Les cheveux d'une personne peuvent la rendre visible ou invisible, en étant entretenus ou pas afin de se "racialiser" ou/et de se rendre "queer". Les cheveux peuvent se couper dans un acte de résistance, être accessoirisés, truqués, exagérés. Certain.e.s d'entre nous se questionnent sur leur perte et d’autres sur leur excédent. Certain.e.s. de nous avec inquiétude se les arrachent, d’autres les trouvent étranges et étrangers dans nos espaces intimes et se demandent à qui ils appartiennent. Les artistes
Pour plus d'information: |
A group exhibition featuring the work of artists who self-identify as two-spirited, queer or trans people of colour, with visual artworks exploring the (personal, cultural, political) significance of hair from a queer and / or racialized perspective. Hair is a significant part of our bodies that can be considered in many ways. Hair is a signifier of individual and group identity. The way that one chooses to groom or style their hair can be read as a public display of one’s chosen self-representation, convictions and alignments. The significance of hair as a carrier of meaning might operate within specific societal codes, for example, existing within the regiments of mainstream ideals of beauty, gender codes, class, and race identifiers. From a queer and racialized experience, however, it might also exist in reaction to those mainstream codes, perhaps operate outside of that system or position itself within an entirely different set of culturally-specific codes (ie. what is visually read as queer in one culture compared to another). An individual’s hair can render them visible or invisible. It can be groomed or grown to be emphatically “racialized” or “queer.” It can be cut in an act of defiance. It can be faked, accessorized, exaggerated. Some of us lament the loss of hair or the excess of it on our bodies while others celebrate and desire these experiences. Some of us anxiously pull our hair, some find strange hairs in our intimate spaces and wonder whose it is. The artists
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Momoko Allard makes work in drawing, photography and other pictorial mediums. These days, she divides her time between art projects, academic reading, and working in arts and education administration. Her projects have been funded by le Conseil des arts et des lettres du Québec and the National Association of Japanese Canadians Endowment Fund. Her occasional contributions can be found in the online journal No More Potlucks. She lives in Montreal and sometimes crashes in Tokyo.
(Image: Momoko Allard, "Untitled", 2013 ©) |
Momoko Allard utilise le dessin, la photographie ainsi que d’autres médiums illustratifs à l’intérieur de son travail. Dernièrement, elle partage son temps entre ses projets artistiques, des lectures académiques et son travail dans la gestion de l’art et de l’éducation. Ses projets ont été financés par le Conseil des arts et lettres du Québec ainsi que par le « National Association of Japanese Canadians Endowment Fund ». On peut retrouver ses contributions occasionnelles dans le journal en-ligne « No More Potlucks ». Elle habite Montréal et passe parfois quelques nuits à Tokyo.
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Jérôme Havre est un artiste Français basé au Canada. Il a complété ces études à l’école supérieure des Beaux Arts de Paris. Son œuvre interroge les questions d’identités, de territoire, de communauté au travers de la représentation de la nature, c’est à dire la manière dont elle est exposée et encore dont on la perçoit au travers de nos filtres culturels. Selon lui : la nature est altérée volontairement dans le but de nous illusionner et de maintenir l’ordre.
Il développe dans sa création des espaces réflexifs au travers de procédés immersifs. Il s’intéresse pour ce faire à des moyens de présentation, de mise en situation ou de mise en scène de ses sculptures et par élargissement du public qui prend part « au spectacle ». Il s’inspire de la fabrication des dioramas des musées d’histoire naturelle et des zoos et se réapproprie la méthode dans son travail artistique. Il présente ainsi « une seconde nature »qui incite à une lecture attentive. Il expose ses œuvres depuis 2001 et est représenté par la Galerie Donald BROWNE à Montréal. (image : Jérôme Havre, "Marie", 2011 ©) |
Jérôme Havre is French artist based in Canada. He completed his studies at the École Nationale Supérieure des Beaux-Arts in Paris. His work interrogates issues of identity, territory and community through the representation of nature. That is, the manner in which it is presented and yet can be more readily perceived through our cultural filters. According to him, “nature is deliberately altered in order to deceive us and keep order.” He develops in his creation reflexive spaces through immersive processes.
He looks for ways to do this through presentation, creation of situations, or setting the stage with his sculptures and extending it to the public who take part “in the show.” He is inspired by the production of dioramas of natural history museums and zoos and reappropriates the method in his artistic work. He presents “a second nature” which encourages a careful reading. To design these “shelters,” Jerome Havre uses textiles, sculpture, digital prints, photographic images, murals, sound recording, and videos to create scenographic installations. Since 2001 Jerome HAVRE has exhibited his works in Europe, Africa and North America. He is represented by the Donald Browne Gallery in Montreal. |
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Pauline Johnson
Growing up, there were many times I felt like there were two different worlds I lived in. One created from history, culture and language. And two the way I was told to follow and keep yourself in society with the others. I now know that these worlds are often issues with Native Americans and our history. There would always be a distinct difference between one and the other. My grandfather often mentioned, there are two different worlds and said- "How could you live in them both?" I couldn't gather this question into an answer. So I was told to leave home and gain a new perspective. This scared me as it was forcing me out of my comfort zone. During those years I was gone, I now know the reality of these distinct worlds. However from various artworks from the past there is often the belief that Native American’s have just 'one' culture. There is not one sum of Native Americans, there are multiple cultures. Often there is the belief of the mystic Native American and false, pseudo historical Native American. Once this was a belief of mine, I was naive to think it was simple to connect these worlds without including different perspectives. I'm quite fortunate to have gained different perspectives from multiple cultures, different sexual orientations and art practices. I found various ways to express myself through my art practise, from expressing the desire to focus on events that celebrate the history and future of Native American people and not the stereotypes.ick here to edit. (Image: Pauline Johnson, 2013 ©) |
Pauline R. Johnson
Durant mon enfance, j’ai souvent été habité par le sentiment de vivre à l’intérieur partagé à l’intérieur de deux mondes distincts. Le premier avait des racines ancrés dans l'histoire, la culture et le langage. L'autre était la manière selon laquelle on me disait de me comporter avec les autres en société. Aujourd’hui, je sais que ces deux mondes sont souvent source de problèmes pour les Amérindiens et notre histoire. Il y a toujours eu une différence très distincte entre les deux. Mon grand-père mentionnait souvent l'existence de ces deux mondes et disait: “Comment peux-tu vivre dans les deux à la fois?”. Je n'ai jamais su trouver réponse à sa question. On m’a alors dit de quitté la maison et de partir acquérir de nouvelles perspectives. Ce fut pour moi très effrayant, car cela me forçait à sortir de ma zone de confort. Grâce à ces années passées loin de chez moi, je connais aujourd'hui la réalité de ces deux mondes distincts. Pourtant à la vue de plusieurs œuvres passées liées à notre culture, l’idée d’une seule et unique culture Amérindienne est souvent véhiculée. Il n'existe pas culture Amérindienne globale mais bien plusieurs entités culturelles différentes. Il y a souvent une lecture des œuvres amérindiennes liées à la perspective d’une croyance du mystique et d’une fausse valeur pseudo-historique. Ce fut une erreur que j'ai également commise par le passé, croyant naïvement que nous pouvions simplement relier ces deux mondes sans inclure les différentes perspectives. J'ai la chance d'avoir pu bénéficier du contact de plusieurs et différentes cultures, orientations sexuelles et pratiques artistiques. J'ai pu découvrir de multiples façons de m'exprimer à travers mon art, pour exprimer le désir de mettre l'emphase sur des évènements qui célèbrent l'histoire et le futur du peuple amérindien et non des stéréotypes qui y sont liés. |
Hideki Kawashima
J'ai immigré au Canada en 2006 par le biais d'une relation de même sexe. Utilisant mon expérience personnelle comme point de départ, j'ai commencé à explorer l'idée du soi comme l'endroit d’un dialogue entre la mémoire et le moment actuel d’être. Dans ma practice artistique, j'explore les relations entre l'expérience temporelle du corps et mes souvenirs, étant tout deux part de mon identité individuelle. Mon existence physique et mes souvenirs du passé – tout spécialement ceux reliés à ma famille et ma culture – tous deux forment des parties intégrantes de qui je suis, contrairement à un être défini par des stéréotypes réducteurs. Actuellement, ma pratique artistique se concentre principalement sur trois projets: la performance comme une expression physique du “ici et maintenant”, l’impression comme traduction visuelle de l'indexicalité de la performance et le texte littéraire comme une exploration de la mémoire dans laquelle l'imaginaire se fond à la réalité. Je suis particulièrement intéressé par la manière que fonctionne l’amalgame de ces différentes méthodes d’expression – la performance, l’image imprimée et le texte écrit – permettant de constituer ou de reconstituer à l’intérieur de l’expérience des spectateurs. L'idée de transfert des traditions de technologie de reproduction de l'art est centrale dans mon art, principalement les média imprimés: je cherche à transférer des pensées, des souvenirs, des émotions et des sentiments dans mon art afin de susciter l'implication des spectateurs de manière perceptive autant que conceptuelle. |
Hideki Kawashima
I immigrated to Canada on the basis of a same-sex partnership in 2006. Using my personal experience as a starting point, I started to investigate the idea of self as a site of dialogue between memory and the present moment of being. In my art, I explore the relations between the temporal experience of the body and the recollection of the past, as they both have place in my individual identity. My physical existence and my memory of the past – especially my family and culture – both form multiple facets of myself rather than an individual defined only by reductive stereotypes. My current art practice mainly focuses on three projects: performance as a physical embodiment of “here and now”, printmaking as a visual translation of the performance’s indexicality and literary text as an exploration of memory where imaginary merges into reality. I am especially interested in how the mixing of multiple disciplines – performance, visual image and written text – would enact or re-enact viewers’ perceptive experience. Central in my work is the idea of transfer in the tradition of reproductive art technology, especially of print media: I aim to transfer thoughts, memories, emotions and feelings in my art in order to elicit viewers’ involvement in perceptual as well as conceptual ways. (Image: Hideki Kawashima, " Roll Up Roll Back " ©) |
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mihee-nathalie lemoine (a.k.a. kimura byol) is a multimedia artist and curator, born in korea (south), raised in belgium, and immigrated to canada.
"zer" visual work was exhibited solo and in group (seoul, tokyo, kyoto, hong-kong, taipei, berlin, brussels, lille, grenoble, montreal, vancouver, los angeles, new york). zer poems, essay and critics have been published in the u.s., south korea and japan. zer videos were screened in germany, korea, japan, hong-kong, tunisia, belgium, france, canada and the u.s. lemoine-kimura works on diasporic identity, question gender and play with words. lemoine believes in social justice and therefore doesn't like capital letters. (Image: mihee-nathalie lemoine "100 gold hair" ©2013) |
mihee-nathalie lemoine (alias kimura byol) est une artiste multimédia et commissaire né.e en corée, élevé.e en belgique, et immigré.e au canada. son travail visuel a été, en solo et en groupe, (séoul, tokyo, kyoto, hong-kong, taipei, berlin, bruxelles, lille, grenoble, montréal, vancouver, los angeles, new york). Ses poèmes, essai et critiques ont été publiés aux états-unis, en corée et au japon. ses vidéos courtes ont été présentées en corée, japon, taiwan, hong-kong, tunisie, belgique, france, canada et états-unis.
lemoine-kimura travaille sur l'identité diasporique et questionne les genres, et jongle avec les mots. lemoine croit en la justice sociale et donc n'aime pas les lettres capitales ! |
Elisha Lim prend un plaisir immense rendre un portrait créatif de la beauté, la dignité et le pouvoir des personnes n’étant pas hétéros, ni “blanc.he.s” ni cisgenre. “Ille” s’est battu avec succès pour que les médias candiens gais utilisent le pronom “they”.
Lim a exposé internationa-lement son travail artistique et ses vidéos, incluant avec fierté, sa première expo solo présentée à la célèbre « Feminist Art Gallery » de Toronto. Lim a reçu des subventions d’artiste du Conseil des Arts du Canada, du Conseil des arts d’Ontario et du Québec, et juge dans le cadre d’attribution de bourses artistique au Canada et aux États-Unis. Lim a été conférencier sur la représentation de la race et le sexe des pronoms neutres lors de conférences, des rencontres avec des artistes et des conférences des Nations Unies depuis 2009, ainsi que dirigé la première semaine de la fierté raciale de Montréal en 2012, pour lequel Lim a endossé le rôle de commissaire de l'exposition centrale "2-Qtpoc" à la galerie articule. Son project actuel, un court-métrage intitulé « 100 butches #9: Ruby » a été de façon censurée non sans soulever la controverse à Singapour et a fait ses débuts cette année à Londres au BFI. Ses bandes dessinées dont le « Sissy calendar », « The Illustrated Gentleman » ont été sont acclamées dans le magazine Bitch, ainsi que, et tout particulièrement, – « 100 Butches », un roman illustré des portraits et d’anecdotes sur les “queer” masculins, avec une préface de l’auteur à succès Alison Bechdel du New York Times. |
Elisha Lim takes great pleasure in creatively portraying the beauty, dignity and power of being neither straight, nor white, nor cis-gendered. They also successfully advocated for Canadian gay media to adopt the gender neutral pronoun ‘they’.
They have exhibited art and videos internationally, proudly including the debut solo of Toronto’s notorious Feminist Art Gallery. They have been art awarded grants by the Canada Arts Council, Ontario Arts Council and Quebec Arts Council, and have juried art grants in Canada and the States. They have lectured on race representation and gender neutral pronouns on panels, artist talks and United Nations conferences since 2009, and directed Montréal’s first Racialized Pride Week in 2012, for which they curated the central exhibit “2-Qtpoc” at the gallery articule. Their current film circuit short “100 Butches #9: Ruby” was controversially censored in Singapore and debuted this year at the London BFI. Their comics include the Bitch Magazine acclaimed “Sissy Calendar”, The Illustrated Gentleman, and most notably – 100 Butches, a graphic novel of portraits and anecdotes about masculine queers, with an introduction by New York Times bestselling author Alison Bechdel. (Image: Elisha LIm, "Foot Messenger", 2013 ©) |
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Zavé Martohardjono is a Brooklyn-based artist working in performance, movement, video, and text. His current multi-medium series, autogeography, draws on classical Indonesian mythology and performance traditions to inform loosely autobiographical contemporary queer performance. He received his B.A. from Brown University in 2006 and his M.F.A. in Media Arts Production from the City College of New York in 2009. In 2011 he participated in the EMERGENYC Program at the Hemispheric Institute for Performance and Politics. He has had the pleasure of performing for Lawrence Weiner, Mariangela Lopez/Accidental Movement, Ximena Garnica, Vanessa Anspaugh, devynn emory, and J. Dellecave. He has collaborated in queer and trans art collectives such as Theater Transgression, Into the Neon, and MIX NYC. His videos and performance pieces have shown in New York, Boston, Philadelphia, San Francisco, Montréal, Berlin, London, Zurich, Amsterdam, and Jakarta.
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Zavé Martohardjono est un artiste de Brooklyn en performance, mouvement, vidéo et texte. Sa série actuelle de multi médiums, autogeography, s'inspire des mythologies indonésiennes classiques et de la tradition de performance pour rendre des performances queer contemporaine librement adaptés d’élément autobiographique. Il a reçu son B.A. de l'Université Brown en 2006 et sa maîtrise en beaux-arts axée sur les arts médiatiques de la City College de New York en 2009. En 2011, il participe au programme EMERGENYC de l'Institut Hémisphérique pour la Performance et la Politique. Il a eu le plaisir de performer pour Lawrence Weiner, Mariangela Lope/Accidental Movement, Ximena Garnica, Vanessa Anspaugh, devynn emory et J. Dellecave. Il a collaboré dans collectifs artistiques queer et trans tels que le Theater Transgression, Into the Neon, et MIX NYC. Ses vidéos et performances ont été exposées à New York, Boston, Philadelphie, San Francisco, Montréal, Berlin, Londres, Zurich, Amsterdam et Jakarta.
(image : Zavé Martohardjono , "something dangerous", 2012 ©) |
Candace Mooers
Depuis 1995, je travaille avec les médias alternatifs à caractère communautaire. Écrire des « zines », animer des émissions de radio communautaire, organiser des concerts punk rock pour tous âges pour figure sur la liste des chose que j’ai réalisé grâve à mon mot d’ordre “fais-le toi-même” devenue mon éthique de création, afin de créer de la culture, archiver des évènements contre-culturels ou renverser la culture populaire. Une de mes priorités a toujours été d'utiliser des ressources facilement accessibles, des meubles aux tissus récupérés dans les ordures derrières les friperies. Depuis quelques années, inspirée par ma mère qui fabrique constamment des courtes pointes, j'ai également débuté la broderie. Un important aspect de ma pratique artistique féministe consiste à rétablir une connection avec des méthodes matrilinéaires qui sont devenues des professions et/ou des marchandises. Je cherche à explorer des thèmes tels que la distance, l'aliénation, la division du travail entre les sexes et les moyens de communication dans l'ère digitale de l'information de masse. |
Candace Mooers
Since 1995, I have worked in community-based alternative media. Writing zines, hosting community radio shows, and organizing all-ages punk rock concerts have all figured part of my DIY (do it yourself) ethic of creating culture, archiving counter-cultural happenings, and subverting mainstream cultural constructs. Using resources that are readily available have always figured prominently in my work, from found home furnishings to fabric scavenged from the dumpsters behind thrift stores. In recent years, I have also begun to work in embroidery, inspired by my mother's non-stop quilting. Reconnecting with matrilineal methods that have become professionalized and/or commodified figure an important part of my feminist art practice that seeks to explore such themes as distance, alienation, gendered divisions of labour, and modes of communication in the digital age of mass information. (Image: Candace Mooers, "Miscarriage", 2013 ©) |
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nyx zierhut & Yvette Choy
nyx zierhut is a hybrid. a trans/genre trans/ genderqueer poet and performance artist of many colors, ze was born in brooklyn, new york and raised in rural massachusetts. ze has performed and presented work in new york city, montreal, san francisco, boston, chicago, colorado, vermont, western massachusetts, and the czech republic, among others. nyx recently received hir master of fine arts degree from goddard college. "i perform visceral aesthetic and political interventions, rooted in a queer of color transfeminist embodiment and critique. my recent work has centered in transgenre text and performance, at play with transgression, desire, and difference. i'm interested in creative, counterhegemonic strategies for survival, resistance, and resilience. i also really love to dance". Yvette Choy is an artist and storyteller whose works address ideas and realities of in-between-ness and the struggles and joys of inhabiting spaces among different identities including race, class and gender. Often involved with collaboration and community, their practice invokes questioning, rawness and humanity. Yvette’s works have been exhibited internationally at festivals including Outfest (LA), Frameline (SF), Inside/Out (Toronto), CAAM Fest (SF), Visual Communications (LA), MIX (NY), Bildwechsel (Hamburg), Groupe Intervention Video (Montreal) and the National Queer Arts Festival (San Francisco). Their works have also been presented at venues including the Buriel Clay Theater at the African American Art & Culture Complex (SF), Mama Calizo’s Voice Factory (SF), CounterPULSE (SF), The Garage (SF), and WOW Theater (NY.) Yvette’s latest works include, I Thought I Found You But, commissioned by Queer Rebels Productions for SPIRIT: A Century of Queer Asian Activism (SF) and, Part-Time Lover, commissioned by New Sound Karaoke for their Pornaoke experience (NY.) Yvette is from Brooklyn, NY. They hold a BFA from New York University’s Tisch School of the Arts Department of Film & Television. |
nyx zierhut & Yvette Choy
nyx zierhut est un.e hybridé.e. un.e artiste poète et performeur.e trans/genre trans/genrequeer de beaucoup de couleurs. ille est né.e è brooklyn, new-york, élevé dans un Massachusetts rural. ille a performé et présenté son travail, à new york, à montréal, à san francisco, à boston, à chicago, dans le colorado et au vermont, dans l’ouest du massachusetts et en république tchèque, entre autres. nyx a récemment reçu son diplôme après avoir complété sa maîtrise en beaux-arts du goddard college. «je performe une esthétique viscérale et des interventions politiques, prenant racine dans la critique des queer de couleur transféministes. mon travail recent se concentre sur le texte et la performance transgenre, en jouant avec la transgression, le desire, la difference. je suis intéressé.e en créativité, les stratégies de survie anti-hégémonique, la résistance et la résilience. j’aime aussi beaucoup danser. » Yvette Choy est une artiste et raconteuse dont les oeuvres traitent d'idées et de réalités d’intermédiarité, d’ambivalence ainsi que des luttes et des joies d'exister dans à l'intérieur et au sein de différentes identités définies par la société telles les races, les classes et les sexes. Il/elle s’implique fréquemment dans des collaborations et la communauté, son art évoque le questionnement et l'humanité à l'état brut. Les oeuvres d'Yvette ont été présentées à l'échelle internationale dans plusieurs festivals dont le Outfest (Los Angeles), Frameline (San Francisco), Inside/Out (Toronto), CAAM Fest (San Francisco), Visual Communications (Los Angeles), MIX (New York), Bildwechsel (Hamburg), Groupe Intervention Video (Montréal) et le National Queer Arts Festival (San Francisco). Ses œuvres ont également été exposées au Buriel Clay Theater au African American Art & Culture Complex (San Francisco), au Mama Calizo's Voice Factory (San Francisco), au CounterPULSE (San Francisco), à The Garage (San Francisco), et au Wow Theater (New York). Les dernières réalisations d'Yvette incluent I Thought I Found You But, commissionné par Queer Rebels Productions pour SPIRIT: A Century of Queer Asian Activism (San Francisco) et Part-Time Lover, commissionné par New Sound Karaoke pour leur évènement Pornaoke (New York). Yvette est originaire de Brooklyn, New York. Il/elle détient un Baccalauréat en Arts du Département de Film & Télévision de la Tisch School of the Arts de l'Université de New York. (image : nyx zierhut & Yvette Choy, “Here Over There”, 2013 ©) |